Dónde ver exposiciones de galerías de arte en la región de DC

Sep 16, 2023

La artista taiwanesa estadounidense Leigh Wen subdivide la fecundidad de la naturaleza en ordenadas agrupaciones, a menudo cuartetos. “At One With the Elements”, el título de su exposición en el Museo de la Universidad Americana en el Katzen Arts Center, se refiere a los ingredientes esenciales del mundo tal como los define el pensamiento clásico europeo: tierra, aire, agua y fuego. (Las tradiciones asiáticas suelen añadir un quinto, que generalmente se traduce como “vacío”).

Los cuartetos de Wen incluyen pinturas que son básicamente de un solo color, trazadas por finas líneas inscritas en el pigmento con un lápiz. Los rasguños fibrosos añaden un toque de violencia a las bellas imágenes del artista radicado en Nueva York.

Si bien no siempre son literales, las pinturas de Wen son representativas. Las líneas onduladas talladas transforman extensiones verdes en montañas y valles, y campos azules en paisajes marinos o cascadas. Más realistas son sus representaciones de flores, cada una pintada sobre grandes lienzos de lino con la forma del contorno de cada flor individual. Estos utilizan la misma técnica de pigmento rayado que las otras imágenes, pero son multicolores y más detallados. Las pinturas de flores, algunas colocadas en lo alto de la pared, dominan el espacio de techos altos en el centro de la exposición.

El artista, que creció en una zona rural, a veces se aventura más allá del marco del cuadro para transmitir la presencia envolvente de la naturaleza. Ella hace tubos de porcelana en los que las corrientes oceánicas azules fluyen alrededor de afloramientos reales de color piedra, y rodea una pintura redonda de pájaros contra un cielo oscuro y estrellado con pájaros recortados en 3D. También se exhibe un conjunto de vestidos en azul, rojo, verde y morado: agua, fuego, tierra y aire.

Sin embargo, los principales recursos de Wen son esas líneas inscritas – “el pulso oculto” del trabajo de Wen, según el ensayo del catálogo de la curadora Sarah Tanguy – y series pictóricas que equilibran la repetición y la variación. “Ginger Lilies” es una pintura de 12 partes de flores blancas, con reflejos en gris y amarillo, sobre un fondo azul moteado que podría ser el mar o el cielo. Las flores parecen caer y volverse más densas a medida que caen en cascada a través de los lienzos rectangulares cuadriculados de arriba a abajo a la derecha. La composición general es el universo de Wen en microcosmos: dinámico y en constante cambio, pero fundamentalmente ordenado.

Leigh Wen: At One With the Elements hasta el 13 de agosto en el Museo de la Universidad Americana en el Katzen Arts Center, 4400 Massachusetts Ave. NW. american.edu/cas/museum. 202-885-1000.

Intrincados tanto en patrones como en texturas, los collages de pinturas de Elizabeth Martineau evocan su Haití natal y su herencia africana. Rostros, flores y diseños de tipo textil caracterizan sus obras de arte, que llenan cada centímetro del lienzo o papel sobre el que están pintadas. “Un Moment de Silence dans le Bruit des Coleurs”, el título de la exposición African Art Beats del artista de DC, significa “un momento de silencio en el ruido de los colores”. Visualmente, sin embargo, el estilo de Martineau es más bullicioso que silencioso.

La muestra incluye algunas esculturas suaves, en particular un imponente tótem de tela con flecos titulado en homenaje a Sam Gilliam, el artista de Washington conocido por sus lienzos manchados y drapeados. Pero la mayoría de las piezas son fotografías cuyas múltiples capas de pigmentos metálicos y papel encolado contrastan las imágenes representadas en un estilo plano y sin perspectiva. Mujeres cuyos rostros ovalados a veces parecen máscaras emergen de una exuberante vegetación, patrones geométricos o, en el caso de “Black Lives Matter”, textos garabateados. Algunos títulos invocan a Matisse, el modernista francés cuyo estilo fue moldeado por el arte tradicional africano.

Entre las composiciones más abarrotadas hay varias imágenes que representan a una sola mujer cuya piel morena brilla y cuyos cuellos y extremidades alargados son tan elásticos que parecen casi líquidos. Como en sus otras obras, el primer plano y el fondo casi se fusionan, pero en éstas la sinergia se logra más con el color que con el diseño. Mundo y figura se fusionan en un todo dorado y brillante.

Elizabeth Martineau: Un momento de silencio en el ruido de los colores hasta el 15 de septiembre en African Art Beats, 3501 Lowell St. NW. africanaartbeats.com. 202-766-2608.

Los objetos encontrados contenidos en los ensamblajes de Anselm Reyle pueden ser letreros de neón, que evocan zonas de entretenimiento urbano, o fardos de heno, con olor a campo. Pero todos los elementos de la exposición del artista berlinés Von Ammon Co., “Xeno Dust”, llegan al mismo final: quedan encerrados en cajas de acrílico tintado que sugieren ataúdes transparentes. Como señala la declaración de la galería, las obras de arte de colores brillantes pero sepultadas de Reyle invitan a pensamientos sobre "lo fúnebre y sepulcral".

"Xeno" proviene de la palabra griega que significa "extraño", lo que insinúa una cualidad extraña en las creaciones de Reyle. Sin embargo, están hechos de material cotidiano, en su mayoría brillantes y manufacturados. (El heno es una excepción parcial, pero está recubierto de esmalte plateado para darle un carácter industrial). Aunque las piezas de neón incluyen palabras e imágenes reconocibles, gran parte del trabajo de Reyle puede verse como riffs de pintura abstracta. Cuando se fijan dentro de cajas de plástico, las hojas arrugadas de banderines reflectantes de Mylar llegan a parecerse a lienzos de campos de colores, con pliegues que sustituyen a las pinceladas.

También similares a la pintura abstracta son cinco fotografías generadas por computadora en las que colores brillantes de neón (y en una imagen, parte de una palabra) se arremolinan y se astillan. Al igual que sus obras de arte en 3D, las fotografías de Reyle son cinéticas pero congeladas, vibrantes pero embalsamadas.

Anselm Reyle: Xeno Dust hasta el 13 de agosto en Von Ammon Co., 3330 Cady's Alley NW. vonammon.co. 202-893-9797.

“Tú y yo obtuvimos más ayer que nadie. Necesitamos algún tipo de mañana”.

Esas palabras están escritas en un sudario que el artista de Brooklyn Zachary Fabri usó mientras se movía ritualmente por el centro de Filadelfia. La prenda y las fotografías de Fabri con un sudario en movimiento borroso se exhiben en el Proyecto Nicholson, un centro cultural en el sudeste de DC donde Fabri actuará el 5 de agosto. Las piezas de la muestra, que incluyen un video de nueve minutos, responden a lo que el comunicado de la galería llama “los sucesivos asesinatos de personas negras a manos de agentes de policía en el espacio público”.

El vídeo, en su mayor parte en blanco y negro, encargado por la Fundación Barnes, con sede en Filadelfia, sigue a un Fabri goteando por el centro de esa ciudad durante una tormenta. Baila y posa, sus acciones acentuadas por los tonos vibrantes de su propia partitura. El componente musical parece acertado, ya que el intérprete toca la ciudad como si fuera un instrumento. En lugar de conmemorar eventos específicos, Fabri reclama las calles y aceras como suyas. Está contemplando un mañana posible en el que todas las personas sean libres de moverse por el paisaje urbano estadounidense.

Zachary Fabri: Tartamudeo de luto hasta el 12 de agosto en Nicholson Project, 2310 Nicholson St. SE. thenicholsonproject.org.